Blues

El blues (cuyo significado es melancolía o tristeza) es un género musical vocal basado en la utilización de una estructura de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos, se desarrolló a través de los cantos espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, escocesas e irlandesas. Un rasgo característico del blues es el uso de técnicas expresivas de guitarra que posteriormente influirían en estilos como el rock. El blues influyó en la música popular llegando a formar parte de géneros musicales como el jazz, rhythm and blues, rock and roll, funk, hip-hop, música country y canciones pop.

El blues ha evolucionado desde una música vocal sin acompañamiento, interpretada por trabajadores negros pobres, a una gran variedad de subgéneros y estilos, con variedades regionales a lo largo de Estados Unidos y, más tarde, de Europa y África. Las estructuras musicales y los estilos que están considerados hoy día como el blues, así como en la música country moderna, nacieron en las mismas regiones del sur de Estados Unidos durante el siglo XIX. Pueden encontrarse grabaciones de blues y de country que se remontan a 1920. En aquel periodo, no existía una distinción musical clara entre los géneros blues y country, excepto por la raza del intérprete, blues para las personas de raza negra y country para los blancos.



La primera aparición del blues no está bien definida y suele situarse entre 1870 y 1900. Existe un texto de 1862, en el que ya se habla de blues como estado de ánimo y de cómo algunas canciones de trabajo se cantaban de forma especial, aquí esta el origen del blues.

Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no estaba claramente definida. Había una gran cantidad de temas blues que utilizaban una estructura de ocho compases, como How Long Blues y Key to the Highway del músico Big Bill Broonzy. También se podían encontrar temas blues con estructura de dieciséis compases, como en el tema instrumental de Ray Charles Sweet 16 Bars y en el de Herbie Hancock Watermelon Man. El blues clásico de doce compases se escribe en 4/4 o 2/4. Los temas blues lentos suelen tocarse en un compás de 12/8.

Los primeros blues, con frecuencia, tomaban la forma de una narración la cual solía transmitir penas personales: un amor perdido, la crueldad de los agentes de policía, la opresión de los blancos y los tiempos difíciles. Las letras de los temas blues generalmente terminan en el último tiempo del décimo compás o en el primer tiempo del decimoprimer compás, teniendo los dos últimos compases una armonía contrastante con el resto de la canción.



Las estructuras, melodías y escalas de blues han influenciado a muchos otros géneros musicales como el rock and roll, jazz y la música pop. Artistas renombrados del jazz, folk o rock and roll como Louis Armstrong, Duke Ellington, Miles Davis y Bob Dylan tienen en su haber varias grabaciones importantes de blues. La escala blues está presente en gran parte de la música popular moderna, por ejemplo en el tema A Hard Day’s Night de The Beatles.

Durante este comentario hemos podido disfrutar del Jazz-Blues de piano Watermelon Man de Herbie Hacock. Seguidamente, un claro ejemplo de la fusión del blues con el rock and roll, en este video vemos a John Lee Hocker interpretando Boom Boom. En último lugar, veremos un blues más clásico a cargo de Eric Clapton, Outside Woman Blues.

Isaac Albéniz

Isaac Albéniz, nació en Camprodón, Girona, el 29 de mayo de 1860, por lo tanto hoy se cumplen 150 años de su nacimiento. Empezó su vida como un prodigio y tras muchas giras se concentró en una seria carrera de estudios en Bélgica. Con una beca que recibió del rey Alfonso XII, entró en el Conservatorio de Bruselas en 1876, graduándose en 1879 con un primer premio en piano, que le fue otorgado de forma unánime. Albéniz regresó a España para establecerse como un experto virtuoso tanto en la composición como en la interpretación.

Las primeras composiciones de Albéniz fueron docenas de trabajos para piano, tres zarzuelas, siete romanzas y el Álbum Bécquer (inspirado en las rimas de Gustavo Adolfo Bécquer). La reputación de Albéniz como pianista y compositor siguió creciendo. En la primavera de 1889 viajó a París, donde interpretó Concierto para piano, op. 78. Después de esto, Albéniz se trasladó junto a su familia a Londres donde trabajó en el Teatro Lírico y más tarde en el Teatro Príncipe de Gales. Allí compuso El Ópalo Mágico, una comedia lírica que fue estrenada en Enero de 1893.

Al término de sus contratos en Inglaterra fue el poeta y mecenas Francis Burdett Money-Coutts, quien sirvió de soporte financiero al compositor español. De esta forma, Albéniz pudo vivir confortablemente el resto de su vida. Durante aproximadamente una década, Albéniz dedicó todo su talento y energía a la creación y producción de obras como, Pepita Jiménez, Merlín y King Arthur.

Desde 1898 hasta 1900 enseñó piano avanzado en la Schola Cantorum de París, pero por problemas de salud regresó al cálido clima español. Pero nadie es profeta en su tierra, y Albéniz no fue una excepción, ya que, su música no era del agrado del público español. Por este motivo regresó a París, donde creció su interés por las formas musicales más largas, lo que produjo un cambio en su estilo composicional, desde lo básicamente ligero, hacia un arte más complejo. De este periodo nos vienen las canciones Crépuscule, Tristesse, The Gifts of the Gods y The Caterpillar.

Albéniz volvió al piano y a su nativo paisaje de inspiración, presagiando su posterior estilo, que floreció con su obra maestra Iberia (1905-1908). La textura de la composición y el lenguaje que define Iberia son característicos de Quatre mélodies, último trabajo vocal y últimas piezas completas de Albéniz. Poco después de terminar estas obras, Albéniz murió en Cambo-les-Bains en los Pirineos Franceses el 18 de mayo de 1909, dejando incompleta la obra Azulejos, que terminó su gran amigo Enrique Granados a petición de Rosina, esposa de Isaac Albéniz. Granados terminó la obra de forma impecable, tanto que resulta muy difícil distinguir donde acaba Albéniz y donde empieza Granados.

También hay que destacar dos obras para piano compuestas previamente a la Suite Iberia, que son la Suite española I y la Suite española II, así como diferentes obras orquestales, como son La Alhambra o Guajira.

En el vídeo que presento a continuación podemos disfrutar de la séptima pieza de la Suite Iberia, titulada El Albaicín.

La Orquesta Sinfónica

La orquesta sinfónica o filarmónica es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de instrumentos (como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda). Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene generalmente más de ochenta músicos en su lista, sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra que va a ser tocada, y el tamaño del lugar en donde ocurrirá la presentación.

El origen de la orquesta sinfónica lo encontramos en el siglo XVII, en el momento en que aparecen formaciones instrumentales en las cortes de Francia e Inglaterra. Durante el Clasicismo, con Haydn y Mozart, se establece el prototipo de la orquesta sinfónica formada por violines, violonchelos, contrabajos, dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, dos trompas y timbales. En el siglo XIX, con el florecimiento de la música de Beethoven, Beriloz y Wagner aumenta el número de instrumentistas de viento metal y la orquesta gana en amplitud e intensidad. En el siglo XX se enriquece con instrumentos de percusión hasta llegar a la orquesta sinfónica actual.

La orquesta sinfónica típica consta de cuatro grupos proporcionales de instrumentos musicales:
Cuerda: violines, violas, violonchelos y contrabajos. Ocasionalmente también se incluyen arpa, guitarra y piano.
Viento madera: flautín, flautas, oboes, corno inglés, clarinetes y fagotes. Ocasionalmente también se incluyen clarinete bajo y contrafagot.
Viento metal: trompetas, trompas, trombones y bajos o tubas.
Percusión: varía mucho dependiendo de la obra, pudiendo encontrar timbales, caja, bombo, platos, xilófono, triángulo, celesta, claves, gong, campanas, glockenspiel, caja china, castañuelas, pandereta, etc.

La colocación de los instrumentos frente al director de orquesta viene determinada por la intensidad sonora de cada uno de ellos. Así pues, la cuerda frotada se sitúa en las primeras filas. Detrás están los instrumentos de viento madera y más lejos, los de viento metal y la percusión.

El director de orquesta cumple una función clave, no sólo mantiene el tiempo de la pieza y da las entradas a los instrumentos para que la interpretación sea coherente, sino que debe interpretar la partitura según el concepto global, manteniéndose fiel al espíritu original de la obra pero dando una visión personal. Para conseguirlo, debe conocer la vida y obra de los compositores. Algunos directores usan una pequeña vara llamada batuta, es una vara corta y delgada con la que los directores se asisten en su tarea.

Si pinchas con tu ratón a continuación podrás disfrutar de una entretenida presentación interactiva sobre la orquesta sinfónica. Y pulsando aquí descubrirás un mapa conceptual mediante el cual conocerás los instrumentos por su sonido y por su aspecto.

Ahora disfruta con el vídeo de Daniel Barenboim dirigiendo a la Orquesta Filarmónica de Berlín interpretando el Primer Movimiento de la Quinta Sinfonía de L. v. Beethoven.

Sonido, Silencio y Ruido

Como sabemos, el sonido es la materia prima de la música. Se produce por la vibración de algún cuerpo, esta vibración genera unas ondas que pueden viajar por un medio sólido, líquido o gaseoso. El sonido llega a nuestros oídos gracias a la oscilación de las partículas que componen el aire, el agua u otro medio. Cada sonido se distingue y define por sus parámetros, que son los siguientes: Altura, Duración, Intensidad y Timbre. Sabiendo esto, podemos definir el silencio como la ausencia de sonido y, por lo tanto, de vibración.
La diferencia existente entre sonido y ruido es siempre una cuestión muy discutida, pero podemos definir el ruido como el sonido o conjunto de sonidos mezclados y/o desordenados. Por el contrario, la música, es el arte de combinar silencios y sonidos formando melodías y armonías.

Abajo podéis ver una sencilla y divertida presentación sobre el sonido, el ruido y la música, en ella, se verá ampliado todo lo anterior y nos ayudará a comprenderlo y asimilarlo correctamente.

Y si pinchas aquí podrás ver un mapa conceptual en el que se resume todo lo importante referente a este extenso e interesante tema.

¡Atención! Si pasáis las diapositivas demasiado rápido puede que os perdáis los vídeos que hay entre ellas.

El Sonido

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Johannes Brahms

Johannes Brahms nació el 7 de mayo de 1833, en Hamburgo (Alemania) y falleció enViena, capital austriaca, el 13 de abril de 1897.

Su padre, que era contrabajista, le enseñó a tocar el violín y el violonchelo; pero el joven Johannes se especializó en piano y más tarde comenzó a estudiar composición. Durante una gira de conciertos conoció al gran compositor Robert Schumann que quedó encantado con las composiciones de Brahms.
Durante su juventud, Brahms compuso sobre todo música para piano, instrumento que dominaba y para el que escribió obras maestras. Aunque era muy autocrítico, ya que, quemó todo lo que compuso antes de los 19 años.
La primera obra que Brahms presentó en público fue un concierto para piano y orquesta que interpretó él mismo. Al principio, la obra no gustó mucho, ya que, por aquel entonces, la moda era que los conciertos con solista estuvieran repletos de pasajes virtuosísticos (complicados solos del instrumento solista), y este no era el caso del primer concierto de Brahms.
Su Réquiem Alemán le lanzó a la fama en Europa. Esta es una pieza de carácter religioso en la que intervienen orquesta y coro. Tal y como indica su título, Brahms utilizó el alemán en lugar del latín, que era la lengua que normalmente se utilizada en este tipo de obras.
Como nota anecdótica podemos citar la siguiente: En una cena celebrada en Berlín en honor a Brahms, el anfitrión propuso un brindis: "¡Por el más grande de los compositores!". Brahms se levanto de inmediato y, alzando su copa, dijo: "Por Mozart".

Brahms supo mezclar las características musicales del romanticismo, periodo en el que vivió, con la herencia de la época Clásica, en la que destacaron Mozart y Beethoven. En las obras de Brahms podemos encontrar pinceladas musicales propias de Beethoven como son la monumentalidad y la larga duración de las composiciones.
Para piano compuso muchas obras, como variaciones, baladas, sonatas o conciertos. Además, escribió numerosas obras de música de cámara, entre ellas, un quinteto en fa menor que puede considerarse como una de las obras maestras de la música de cámara. Cabe destacar el conjunto de 21 danzas húngaras, son unas cancioncillas alegres y de corta duración, son las obras más conocidas de este gran compositor romántico.
A continuación disfrutaremos con la Danza Húngara Nº5.

La Batería

La voz humana es el único instrumento más antiguo que los de percusión. La batería forma parte de esta gran familia de instrumentos. Su origen lo encontramos en 1890 con la unión de varios instrumentos de percusión: tambores y timbales, que surgen en África, platillos de Turquía y China, y el bombo, de Europa. Antes de que todos estos instrumentos se unieran eran tocados por varias personas (entre 2 y 4). La invención del pedal de bombo en 1910, permitió que una sola persona tocara estos instrumentos.
La batería está compuesta por un conjunto de tambores cubiertos por dos parches, uno de golpeo (en la parte superior) y otro resonante (en la parte inferior). Estos tambores pueden variar su tamaño, lo que afecta al timbre del sonido. Además de estos, la batería cuenta con varios platos de metal, y otros accesorios (como cencerro, panderetas, bloques de madera, etc.). Al afinar una batería debemos saber que mientras más tenso esté el parche, más agudo será sonido, y viceversa. Veamos a continuación algunos de los elementos más comunes en una batería:
-Bombo: se puede manejar con un pedal o con doble pedal
-Caja: a diferencia de los otros tambores, la caja posee un conjunto de alambres o bordonera, que está colocada en contacto con el parche de resonancia, de esta forma produce vibración y por tanto, el sonido.
-Toms: son tambores de distinto tamaño que generalmente van montados sobre el bombo o en soportes adicionales.
-Crash: platillo mediano que se utiliza para dar énfasis en algunos pasajes musicales.
-Ride: platillo grande que se usa para llevar el ritmo.
-Splash: platillo pequeño que se usa para efectos especiales, normalmente en pasajes de poca intensidad sonora.
-Hi-hat o Charles: sistema de 2 platillos instalados en un soporte con pedal que permite que uno caiga sobre el otro haciéndolos sonar. El Charles se puede tocar cerrado y abierto, usando el pedal.
-Algunos bateristas incluyen en su instrumento un Gong.

Todos estos elementos que forman la batería se golpean con las baquetas. Estas varían según el material, el tamaño y el peso. El baterista es el músico que toca la batería usando las baquetas. Necesita tener coordinación, musicalidad y energía, ya que a menudo tiene que tocar a la vez varios elementos rítmicos. Para tocar la batería el músico emplea movimientos de dedos, muñecas, codos y brazos, dependiendo de la distancia, fuerza y técnica que ese baterista emplee.

Abajo os dejo un video de un famoso baterista en acción, se llama Jojo Mayer, disfrutad.

Bringing It All Back Home - Bob Dylan

A petición de algunos de vosotros y haciendo caso a mi, en ocasiones, desmesurada devoción por las canciones del señor Robert Allen Zimmerman, me veo en la obligación de publicar esta entrada. En ella conoceremos un poco más a fondo el quinto disco de este cantautor norteamericano.

El álbum, titulado Bringing It All Back Home, se grabó durante el mes de enero de 1965. En esta fecha, Bob Dylan, figura central de la escena folk y portavoz del movimiento contracultural americano, comenzaba su proceso de electrificación. De esta manera, Dylan abandonaba el éxito cosechado en los círculos musicales folk para transformar definitivamente y para siempre la cara del rock.

Este disco es el eslabón que une la música folk americana y el rock tal y como lo conocemos hoy en día. Esto lo comprobamos al escucharlo, ya que el disco tiene una parte folk y otra rock, totalmente diferenciadas. Es más sencillo de imaginar esto si sabemos que en ese tiempo, el año 1965, la música se grababa en discos de vinilo, y estos discos contenían las canciones en ambos lados, a los que se llamaba Cara A y B. Pues bien, este trabajo de Dylan contenía una cara con temas rock (Cara A), en las que el cantante aparecía acompañado por una banda eléctrica (guitarra, bajo, batería y órgano), mientras que en la Cara B, se encontraban las canciones de tipo folk, sin el acompañamiento antes mencionado. Esta es la explicación de que este álbum sea el nacimiento del folk-rock y el punto de inflexión en el que, según muchos entre los que me incluyo, Dylan cambió el camino del rock.

Todo lo anterior lo podemos ver resumido en la canción Mr. Tambourine Man. Bob Dylan desechó una primera versión de este tema en 1964, por lo que el tema llegó a manos del grupo The Byrds, quienes lo transformaron duplicando el tempo (de 2/4 a 4/4) y simplificando la letra. Además de esto le añadieron sonidos eléctricos y una armonía a cuatro voces en el estribillo. Finalmente Dylan incluyó una nueva versión de Mr. Tambourine Man en el álbum que nos ocupa, Bringing It All Back Home. Aparece como una canción completamente acústica, en la que la conducción de Dylan (a cuerdas de guitarra acústica y soplo de armónica) es acompañada por una sutil guitarra eléctrica sosteniendo el fondo musical.

Digna de mención es también la canción Subterranean Homesick Blues, el primer single extraído de este álbum. Pertenece a la Cara A del álbum y a parte de sorprendernos con su ritmo acelerado y el acompañamiento eléctrico, este tema cuenta con un enorme trabajo lírico. Para este corte del disco, se grabó uno de los primeros video-clips musicales de la historia, en el podemos ver a Dylan mostrando y desechando tarjetas con palabras y frases de la canción.

Resumiendo, estamos hablando de un trabajo que dio un giro de 180 grados a la trayectoria de Bob Dylan y que está considerado como el origen del folk-rock. Al señor Zimmerman no se le ocurrió otra cosa que dejar el folk y adentrarse en terrenos más personales. Si a esto le sumamos la electrificación que sufre su música tenemos un álbum que cambió el camino de la música popular urbana e inspiró a grandes músicos y cantautores de generaciones venideras.

Bach y Möbius, música y matemáticas.

Johann Sebastián Bach nació en el año 1685 en Eisenach (Alemania), fue un organista y compositor musical del Barroco. Además de tocar el órgano, Bach tocaba el clave, el violín y la viola de gamba. Su obra es considerada como la cumbre de la música barroca por su perfección técnica y belleza artística. J. S. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto, así como su máximo exponente. Entre sus obras destacan los Conciertos de Brandeburgo, El clave bien temperado y La Ofrenda musical.
Está última obra la compuso en el año 1747, en ella encontramos el denominado “Canon del Cangrejo”, una pieza increíble de apenas unos compases. Lo curioso de esta pieza es que empieza donde acaba, puede ser interpretada en ambas direcciones y, además, podemos superponerla (duplicarla y tocarla a la vez) creando así un acompañamiento y un conjunto armónico-melódico sin fin.

Poco más de un siglo después de que Bach compusiera La ofrenda musical, en 1858, los matemáticos August Ferdinand Möbius y Johann Benedit Listing descubrieron la Banda o Cinta de Möbius. Esta cinta es una superficie de una sola cara y un solo borde y tiene la propiedad matemática de ser un objeto no orientable. Podemos fabricarla tomando una cinta rectangular de papel y pegando los extremos dando media vuelta a uno de ellos. El símbolo internacional del reciclaje está basado en esta figura.

Con ambos trabajos, el de Bach y el de Möbius y Listing, Jos Leys ha creado un maravilloso vídeo músico-matemático con el que podemos disfrutar a continuación.

Si no conoces el significado de alguna palabra o si tienes dudas sobre algún concepto musical usa los diccionarios que encontrarás en la columna derecha de este blog.

Camarón - La Leyenda del Tiempo

Corría el año 1979 y Camarón acababa de salir de una exitosa etapa en la que dejó para la historia varios discos de flamenco clásico con el acompañamiento de Paco de Lucía. En este año, el cantaor se disponía a dar rienda suelta a su imaginación y para ello contó con la colaboración de varios artistas emergentes del nuevo sonido andaluz. En este álbum encontramos a jóvenes valores de la nueva esfera musical andaluza; Camarón se sirvió de su inspiración, frescura y conocimientos sobre músicas lejanas, como el Blues y el Rock, para crear un disco en el que homenajeaba a Federico García Lorca, poniendo música y voz a algunos de sus poemas.
Con esta ensalada musical se encerraban en el estudio de grabación Tomatito, cuya guitarra acompañaría a Camarón hasta sus últimos días; la omnipresente inspiración de Kiko Veneno; Raimundo y Rafael Amador, que aportarían el blues-flamenco de sus guitarras eléctricas; el flautista Jorge Pardo y un largo etcétera de colaboraciones.
Ante este gran elenco emergente de figuras de la música andaluza no se podía esperar menos. El resultado, un disco indispensable para la historia del flamenco. Aunque esto no fue así para la mayor parte de los críticos flamencos, ya que este álbum llegó a considerarse como una aberración para la pureza del flamenco. Sin embargo, y con el paso del tiempo se ha visto que no fue así. La Leyenda del Tiempo, fue la continuación de la labor de Joaquín Sabicas y del grupo sevillano Smash, demostrando que en esto de la música aun no está todo inventado y que se podía fusionar el flamenco con otras músicas y cadencias haciéndolo más universal, dándolo a conocer a un público que, hasta ese momento, desconocía la existencia de nuestro folklore, y todo esto sin perder un ápice de la pureza ancestral del flamenco.

El disco comienza con La leyenda del Tiempo, tema que da nombre al álbum, con el grupo Alameda acompañando a pleno rendimiento la interpretación de un poema de Lorca con un inaudito ritmo de bulerías. Romance del Amargo, segundo corte del álbum, nos deja escuchar la poderosa voz de Camarón y las templadas guitarras de Raimundo Amador y Tomatito. Este tema es uno de los momentos álgidos del disco. El álbum continúa con la bulería Homenaje a Federico, construida con distintos versos del poeta y un impresionante final en el que Camarón canta únicamente con el acompañamiento de una batería. La cuarta pista de este trabajo son unas alegrías, basadas también en poemas de García Lorca, Mi Niña se Fue a la Mar, de las que podemos destacar el contagioso taconeo que complementa a guitarra y palmeros. La canción popular La Tarara se ve transformada en una pieza de rock-flamenco, acompañada por guitarras, teclados y batería. El tema de Kiko Veneno Volando Voy, es una Rumba con toque salseros, congas, güiro y demás percusiones típicas de la música caribeña, y con la colaboración del flautista Jorge Pardo. Bahía de Cádiz son unas alegrías de Cádiz, en esta ocasión acompañadas por una esplendida batería. El poeta persa Omar Kayan inspiró las bulerías tituladas Viejo Mundo, escritas por Kiko Veneno y a las que Camarón pone voz. En los Tangos de la Sultana Camarón nos canta una bella historia de amor con un sonido mucho más tradicional que el resto de temas. El último tema de este emblemático álbum es Nana del caballo grande, donde el cantaor retoma los versos de Lorca acompañado de un sitar hindú.
En definitiva, La Leyenda del Tiempo es un álbum innovador, imprescindible y fundamental tanto para la historia del flamenco, como para las nuevas concepciones de este estilo musical tan nuestro.